La Rockola

ÍNDICE 1- BACHATA 2- REGGAE 3- JAZZ 4- PUNK 5- HEAVY METAL 6- PSYTRANCE 7- BLUES 8- POP 9-ROCK PSICODÉLICO

BACHATA Género de música popular que nació en la República Dominicana y luego se expandió a numerosos países. Este género utiliza la combinación de merengue, son, bolero y otros estilos. Para la interpretación de bachata se utilizan instrumentos musicales como la güira (un idiófono), el bongó (membranófono), la guitarra y el bajo. Gracias a su ritmo, se considera que la bachata es un género bailable.

Artistas

Por sus grabaciones de 1962, José Manuel Calderón es considerado como el primer músico en registrar canciones de bachata en un disco. Otros pioneros del género fueron Tommy Figueroa y Rafael Encarnación. Entre los intérpretes de bachata más populares de los últimos años se puede mencionar a Juan Luis Guerra, Romeo Santos y Prince Royce, quienes han vendido miles de álbumes y realizado giras internacionales muy exitosas.

Letra

El baile de la bachata se compone de pasos simples que llevan al bailarín de un costado a otro o del frente hacia atrás. En cuanto a las letras de la bachata, se destacan por la nostalgia y la melancolía. Por eso, como expresión social, se la asocia al tango.

El reggae es un género musical que se desarrolló por primera vez en Jamaica hacia mediados de los años 1960. Aunque en ocasiones el término se utiliza de modo amplio para referirse a diferentes estilos de música jamaiquina, por reggae se entiende en sentido estricto un género musical específico que se originó como desarrollo de otros anteriores como el ska y el rocksteady. El reggae se caracteriza rítmicamente por un tipo de acentuación del off-beat, conocida como skank. Normalmente, el tiempo del reggae es más lento que el del ska​y el rocksteady[cita requerida]. El reggae suele acentuar el segundo y cuarto pulso de cada compás, y utiliza la guitarra para poner o bien énfasis en el tercer pulso o para mantener el acorde desde el segundo hasta el cuarto. Es generalmente este “tercer beat”, tanto por la velocidad como por la utilización de complejas líneas de bajo, lo que diferencia al re-

ggae del rocksteady. The Wailers, una banda formada por Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer en 1963, son quizá el grupo más conocido que hizo la transición a través de las tres etapas la primera música popular jamaiquina: ska, r ocksteady y reggae. Otros pioneros del reggae incluyen a Prince Buster, Desmond Dekker y Jackie Mittoo.

Etimología:

La edición de 1977 del Diccionario de inglés jamaiquino incluía “reggae” como “una expresión recientemente establecida para rege”, equivalente a rege-rege, una palabra que podía significar tanto “trapos, ropa andrajosa” como “una pelea o riña”.​El término reggae con un sentido musical apareció tanto en Desmond Dekker como en el hit rocksteady de 1968 “Do the Reggay” de The Maytals, pero ya se utilizaba en Kingston, Jamaica, para denominar una forma más lenta de bailar y tocar rocksteady. El artista reggae Derrick Morgan expresa en este sentido: No nos gustaba el nombre rocksteady, así que probé diferentes versiones de “Fat Man”. Cambió el ritmo, el órgano se utilizó para sorprender. A Byron lee, el productor, le gustaba. Él creó el sonido con el órgano y la guitarra rítmica. Sonaba como ‘reggae, reggae’ y ese nombre simplemente despegó. Byron Lee comenzó a utilizar la palabra (sic) y pronto todos los músicos estaban di-

ciendo ‘reggae, reggae, reggae’. El historiador del reggae Steve Barrow atribuye a Clancy Eccles la alteración del término patois streggae (mujer fácil), convirtiéndolo en reggae.Sin embargo, según Toots Hibbert: Hay una palabra que solíamos utilizar en Jamaica llamada ‘streggae’. Si una chica pasa y los chicos la miran y dicen ‘tío, ella es “streggae”’, eso significa que no viste bien, que se ve reggay (andrajosa). Las chicas dirían lo mismo de un hombre también. Esta mañana yo y unos amigos estábamos jugando y yo dije, ‘vale tío, hagamos el reggay’. Fue solo algo que me vino a la cabeza. Así que empezamos a cantar ‘do the reggay, do the reggay’ (haz el reggay, haz el reggay) y creamos un beat. La gente me dijo después que le habíamos dado al sonido ese nombre. Antes de eso la gente lo llamaba blue-beat y todo tipo de nombres. Ahora está en el Libro Guinness de los Records. Se dice que Bob Marley atribuía como origen de la palabra reggae un término del idioma español para referirse a la “música del rey”.

Precursores

Aunque poderosamente influenciada por el mento y el calipso tradicionales, el jazz estadounidense y el primer rhythm and blues, el reggae es deudor directo en su origen de los diferentes desarrollos que tuvieron lugar en el ska y el rocksteady durante

los años 1960 en Jamaica. Uno de los individuos que más contribuyeron a este desarrollo fue Count Ossie.10​11​ El reggae le debe su éxito en Inglaterra al movimiento skinhead que lo adoptaron como su música propia y a esto también surge la “Gran guerra del reggae”. El ska surgió en los estudios de Jamaica alrededor de 1959. Se desarrolló a partir del mento.12​El ska se carateriza por un tipo de línea de bajo llamado walking bass o “bajo galopante”, ritmos de guitarra o piano acentuados en el offbeat, y en ocasiones riffs de viento similares a los del jazz. Además de ser muy popular dentro de la subcultura jamaiquina de los rude boys, hacia 1964 también había ganado una larga audiencia en la cultura mod inglesa. Los rude boys comenzaron a poner deliberadamente los discos de ska a la mitad de velocidad, ya que preferían bailar más despacio como parte de su imagen de tipos duros.13​Hacia mediados de los años 1960, muchos músicos habían comenzado a tocar ska con ese tempo lento, al tiempo que ponían énfasis en el walking bass y los offbeats. El sonido más lento fue denominado rocksteady como consecuencia de un single de Alton Ellis. Esta fase de la música jamaiquina duró hasta 1968, cuando los músicos comenzaron a aumentar la velocidad de la música de nuevo, añadiendo también otros efectos.14​Ello condujo a la creación del reggae.

Historia del reggae El reggae se desarrolló a partir del rocksteady en los años 1960. El cambio del rocksteady al reggae es ilustrada por el empleo del shuffle en el órgano, cuyo pionero fue Byron Lee. Este rasgo ya aparecía en algunos sencillos de transición como “Say What You’re Saying” (1967) de Clancy Eccles o “People Funny Boy” (1968) de Lee “Scratch” Perry. El tema “Long Shot Bus’ Me Bet” publicado por el grupo The Pioneers en 1967 es considerado como el ejemplo grabado más temprano del nuevo sonido que pronto sería conocido como reggae.15​ Es en los comienzos de 1968 cuando los primeros discos de reggae genuino fueron publicados: “Nanny Goat” de Larry Marshall y “No More Heartaches” de The Beltones. El hit “Hold Me Tight” del artista estadounidense Johnny Nash de 1968 ha sido reconocido como el primero en poner el reggae en las listas de éxitos de Estados Unidos. Otros pioneros del reggae incluyen a Prince Buster, Desmond Dekker y Jackie Mittoo y The Wailers, una banda formada por Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer. En el desarrollo que llevó el ska hacia el rocksteady y posteriormente al reggae, fue fundamental la contribución de varios productores jamaiquinos. Entre los más importantes están Coxsone Dodd, Lee “Scratch” Perry, Leslie Kong, Duke Reid, Joe Gibbs y King Tubby. Chris Blackwell, que fundó el sello Island Records en Jamaica en 1960, se mudó a Inglaterra en 1962, donde continuó promocionando la música jamaiquina. Se alió a Trojan Records, fundado por Lee Gopthal en 1968. Trojan publicó discos de artistas reggae en UK hasta 1974, cuando Saga compró el sello.

Subgéneros Dub: es un género de reggae desarrollado en sus primeros tiempos por productores de estudio como King Tubby o Lee Perry. Se caracteriza por basarse en la remezcla (remix) de material previamente grabado, y por dar un particular énfasis a la batería y la línea de bajo. Las técnicas utilizadas p rov o c a b a n en el oyente sensaciones viscerales, descritas por Tubby como “un volcán en tu cabeza”.16​ Augustus Pablo y Mikey Dread fueron otros importantes proponentes de este estilo. Roots reggae: Es un tipo de música espiritual cuyas letras se dedican predominantemente a enaltecer a Jah (Dios). Entre los temas más recurrentes se encuentran la pobreza y la resistencia al gobierno y a la opresión racial. Muchas de las canciones de Bob Marley y de Peter Tosh pueden considerarse roots reggae. La cima creativa del roots reggae se dio hacia finales de los años 1970 con cantantes como Burning Spear, Gregory Isaacs, Freddie McGregor, Johnny Clarke, Horace Andy, Ijahman Levi, Barrington Levy, Big Youth y Linval Thompson, y bandas como Culture, Israel Vibration, The Meditations y Misty in Roots, mano a mano con

productores como Lee ‘Scratch’ Perry y Coxsone Dodd. Musicalmente, en la canción “Roots, Rock, Reggae” Marley concibió un nuevo estilo de música “off beat” con un compás de seis beats, donde el skank de la guitarra tiene lugar en el cuarto y sexto beat. Aunque totalmente separado de los ritmos del ska, rocksteady, reggae, skank, flyers, rockers y otros estilos, este ritmo único está tan asociado a Marley que muy pocos otros lo adoptaron. Rockers: El estilo rockers fue creado hacia mediados de los años 70 por Sly & Robbie. El rockers es descrito como un estilo fluido, mecánico y agresivo de tocar reggae.17​Un artículo describe el rockers como la “edad dorada del reggae”. Lovers rock: El subgénero del lovers rock subgenre se originó en el sur de Londres a mediados de los años 1970.

BOB MARLEY En 1972, la película The Harder They Come, en la que actuaba Jimmy Cliff, generó un considerable interés y popularidad para el reggae en Estados Unidos, y la versión de Eric Clapton en 1974 del tema de Bob Marley “I Shot the Sheriff ” ayudó a llevar el reggae al mainstream.7​Hacia mediados de los años 1970, el reggae recibía un considerable espacio en la radio inglesa, especialmente gracias al programa de John Peel. Lo que se conoció después como la “edad dorada del reggae” corresponde aproximadamente al apogeo del roots reggae. En la segunda mitad de los años 1970, la escena de punk rock de Gran Bretaña comenzaba a formarse, y el reggae fue una importante influencia para ello. Algunos DJs de punk ponían canciones de reggae durante sus sesiones y numerosas bandas de punk incorporaron estas influencias reggae en su música. En Inglaterra el reggae se expandió gracias a la nueva inclusión del género en la música de The Rolling Stones[cita requerida] con mayor influencia desde 1974. Al mismo tiempo, el reggae comenzó una cierta recuperación en Inglaterra en los años 1980 abanderada por grupos como Steel Pulse, Aswad, UB40 y Musical Youth. Otros grupos que recibieron interés internacional a comienzos de los 1980 fueron Third World, Black Uhuru y Sugar Minott.

El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos. A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una forma de arte reconocida en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella como «el retorno de la música de los “salvajes”», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al jazz como un «destacado modelo de expresión» y como un “excepcional tesoro nacional”. Se

ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el jazz se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia. La identidad musical del jazz es compleja y no puede ser delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en realidad una familia de géneros musicales que comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus diversas “funciones sociales” (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y concentrada) requieren un ángulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepción por parte del público. Si bien el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920

ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con un trasfondo muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de músicos comerciales,nota 1​que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes Aunque no parece existir un acuerdo definitivo en cuanto al origen y significado exactos del término jazz, algunos historiadores sitúan su origen alrededor de 1912, e indican que procede de la jerga de los periodistas deportivos de la Costa Oeste de los Estados Unidos, quienes utilizaban el término en sus coment ar ios dedicados a la Pacific Coast League, una liga menor de baseball, para referirse a la energía y vitalidad de los jugadores del San Francisco Seals. El ejemplo más antiguo de este uso del término, encontrado por el bibliotecario de la Universidad de Nueva York George A. Thompson, Jr. en 2003, apareció en Los Angeles Times el 2 de abril de 1912, en una referencia al pitcher de Portland Beavers, Ben Henderson, donde este afirmaba: La llamo la “pelota jazz” porque “tiembla” y, simplemente, no puedes hacer nada con ella.

A partir de 1913, en una serie de artículos de E. T. “Scoop” Gleeson para el San Francisco Bulletin, aparece ya el término jazz de forma más habitual, aplicado a la música. La referencia más antigua de su uso musical, corresponde al 3 de marzo de 1913 y en ella el término se utilizaba con un sentido negativo. Tres días más tarde, el 6 de marzo, Gleeson usó el término de forma más exhaustiva cuando al reseñar el tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz. Sin embargo, no fue hasta 1915, en Chicago, que el término comenzó a usarse completamente para definir un tipo de música. Para finales de 1916 y principios de 1917 el uso del término estaba ya b ast ante extendido. La primera vez que se utilizó la palabra jazz en Nueva Orleans (también escrita jas o jass en los comienzos) fue en el Times-Picayune el 14 de noviembre de 1916, un hecho que fue descubierto por el lexicógrafo Benjamin Zimmer, en 2009.6​ No obstante, muchos estudiosos creen que el término tiene una raíz fanti (África occidental) y se refiere al acto sexual o relativo al amor. Mucho más apegados a los estilos tradicionales cubanos, incluso a la salsa, encontramos a músicos como Willie Bobo, Cachao, Carlos “Patato” Valdes, Tata Güines, Willie Colón, Jesús Alemany o Francisco Agua-

bella, además de orquestas que históricamente tuvieron una gran proyección comercial, como las de Xavier Cugat y Pérez Prado. Fuera del mundo antillano, destacan músicos que han desarrollado trabajos de acercamiento entre el jazz y músicas tradicionales de otros lugares de América latina: Astor Piazzolla (con sus discos en solitario o con Gerry Mulligan), Gato Barbieri, Osvaldo Tarantino, Alex Acuña...70​ El estilo ha dado origen a lo largo de los años a toda una serie de subgéneros relacionados entre los que se encuentran el boogaloo, el jazz cubano, el jazz brasileño y, por encima de todos en popularidad y proyección, la bossa nova. Una de las mayores diferencias entre el jazz y la música clásica europea tiene que ver con la formación del tono: mientras que los distintos integrantes de una sección de instrumentos en la orquesta clásica aspiran a obtener el mismo sonido de sus instrumentos, de forma tal que puedan ejecutar los pasajes del modo más homogéneo posible, los músicos de jazz aspiran a lograr un sonido propio que los distinga del resto. El criterio no es ya la «pureza» de sonido que buscan los músicos clásicos, sino lograr expresividad con el instrumento, y así se puede decir que en el jazz la expresión está por encima de la estética. Esta característica explica que muchos aficionados al jazz sean capaces de distinguir quién está tocando tras las primeras notas, un fenómeno que suele asombrar a los no iniciados.90​ El fraseo de jazz tiene sus particularidades: Kid Ory, por ejemplo, solía tocar melodías circenses y de marchas militares, pero su característico sonido convertía su música en jazz, mientras que Stan Getz poseía un sonido similar al de los saxofonistas cla-

sicos, pero su fraseo y el tipo de melodías que solía ejecutar hacían de él un músico de jazz. El fraseo en el jazz tiene su origen en la música de los esclavos africanos en los campos de trabajo, caracterizada por el esquema básico de call-and-response («pregunta-respuesta»), y también en el modo que los negros americanos tenían de tocar los instrumentos clásicos europeos.91​

Por otra parte, se ha discutido con frecuencia sobre la cuestión racial en el jazz. Roy Eldridge, por ejemplo, afirmó poder distinguir a los músicos blancos de los negros, pero en una prueba a ciegas a la que fue sometido falló constantemente.[cita requerida] Con independencia de cualesquier consideraciones, lo cierto es que músicos negros y los blancos han colaborado a menudo con resultados muy positivos (Fletcher Henderson y Benny Goodman; Neal Hefti y Count Basie), que algunos músicos negros como Charlie Mingus han estado al frente de la vanguardia experimental reservada comúnmente a los músicos blancos, y que algunos músicos blancos, como Gerry Mulligan o Al Cohn han señalado constantemente la importancia de elementos típicamente negros como el swing o el blues.

El punk, también llamado punk rock, es un género musical dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970. Este género se caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y contracultural. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías agresivas de duraciones cortas, sonidos de guitarrasamplificadas poco controlados y ruidosos cargados de mucha distorsión, pocos arreglos e instrumentos y, por lo general, de compases y tempos rápidos. Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la crudeza del sonido amplificado y muy distorsionado, generalmente creando un ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage rock. El bajo, por lo general, sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la melodía. La batería por su parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos de rock and roll. Las voces varían desde expresiones fuertes e incluso violentas o desgarradas, mientras las letras se caracterizan por tratar temas como los problemas políticos y sociales (llevando con esto un mensaje de conciencia que se extiende, tratando de denunciar por medio de la música este tipo de problemas e incluso se llegan a tratar temas como el no a las drogas, amor, pacifismo, etc). Aunque desde finales de los 70s e incluso antes (a excepción de la lírica) , estos aspectos fueron cambiando gracias

a que las bandas que se formaron en ese tiempo (por general bandas del estilo hardcore y otras bandas más tradicionalistas) fueron agregando cambios de acorde muy rápidos en la guitarra, arreglos (para mayor complejidad) y solos de guitarra (heredados directamente del rock and roll y rockabilly), en el bajo se introdujeron los arreglos con octava, y la batería aceleraba más

el ritmo y el tempo, las voces eran muchas fuertes. El punk rock explotó en la corriente musical a finales de los años 70 con bandas británicas como Sex Pistols, The Clash y The Damned y bandas estadounidenses como Ramones, The Dead Boys y Blondie. Más adelante en la década de los 80, dentro de la escena independiente surgirían dos

el mercado musical promovería a bandas de poppunk como Green Day o Blink-182; asimismo, bandas de punk hardcore y street punk siguieron formándose como The Casualties, Unseen, Blanks 77, Agnostic Front, Violent Society, Restarts, First Step, Battery, Good Clean Fun, entre muchas más bandas

movimientos dentro del punk rock que se caracterizarían por seguir las ideas de la ética Hazlo tú mismo, y con una fórmula musical mucho más agresiva, rápida, y veloz; en Estados Unidos el Hardcore (con bandas como Black Flag, Minor Threat, Dead Kennedys, Circle Jerks, Bad Brains, quienes ayudaron e influenciaron a músicos que más tarde conformarían la escena hardcore melódica, skate punk, nardcore e incluso straight edge/youth crew) y en el Reino Unido el UK ‘82(representado por The Exploited, GBH, Chaos UK, Discharge, Varukers, estos últimos dos dieron continuación e influencia a formas más extremas del punk como D-beat, crust punk y grindcore). Muchos músicos influenciados por el punk rock (pero con distintos intereses musicales) más tarde formarían bandas de post-punk, heavy metal, grunge, emo, noise rock, ska, new wave, rock alternativo y gótico. En los 90, aparece el grunge con Nirvana; más tarde bandas californianas de skate punk y hardcore melódico seguirían vendiendo millones de discos como Offspring, Rancid y NOFX. A mediados de los 90. A finales de los 90

Características

La forma originaria del punk era un tipo de rock sencillo y algo ruidoso para expresarse con sus propios medios y conceptos. Entre las primeras bandas musicales representantes del punk están The Ramones, Dead Boys, The Voidoids, Blondie, The Heartbreakers, Tuff Darts, The Cramps, The Misfits, Black Flag, The Gun Club, The Bags, Cherry Vanilla y Wayne County & the Electric Chairs y en el proto-punk The New York Dolls, The Velvet Underground (la banda de Lou Reed), Iggy Pop y The Stooges, MC5, la cantante Patti Smith, Television y The Dictators entre otros, todo esto en Estados Unidos. En el Reino Unido proliferarían agrupaciones como Sex Pistols, The Clash, The Damned, Buzzcocks, The Adicts, The Pretenders, The Jam, The Stranglers, U.K. Subs y Adam & the Ants, además de David Bowie, Marc Bolan de T-Rex y The Who entre otros, quienes también influenciaron al punk igual que paralelamente lo hicieron las bandas proto-punk de garage

rock de EE.UU. Ramones se presentaban a sí mismos como banda de rock, sin pretensiones declaradas de mensaje directamente innovador o rompedor salvo en lo musical. Después surgiría

s

la etiqueta punk y Ramones erían considerados los primeros en representarla. Por otro lado había una forma de transgresión, buscando liberarse de los estigmas sociales. Esta rama no daba explicaciones y buscaba incomodar a lo establecido chocando, ofendiendo y molestando al buen gusto, la moral y la tradición. Se buscaba básicamente la provocación a través de demostraciones de transgresión estética o giros de lenguaje contradictorios, absurdos o insolentes. Es el estilo que popularizaron Sex Pistols, relacionado ligeramente al nihilismo y otras formas de escepticismo. Más adelante, especialmente con la aparición del hardcore punk y marcado por la herencia de la actitud del colectivo Crass, se hizo presente todo un abanico de enfoques de crítica social, posicionamientos políticos y afinidad a campañas de protesta. El ejemplo musical más clásico son Crass y The Clash. La filosofía punk puede resumirse en: “Hazlo tú mismo” o “hazlo a tu manera”. Rechaza los dogmas y cuestiona lo establecido. Desprecia las modas y la sociedad de masas (aunque su estética también puede considerarse una moda preestablecida por el punk). En sus canciones, estas bandas expresan un serio descontento con los sistemas e instituciones que organizan y controlan el mundo. En ocasiones también la música sirve de plataforma para propuestas filosóficas e ideológicas. Durante la década de los 80, el punk en Estados Unidos estuvo permeado de contenidos políticos, principalmente progresistas, en oposición al gobierno conservador de la época. Ejemplos de esta época son las bandas Dead Kennedys y Bad Religion. En Europa, el punk es una música especialmente

utilizada como medio de difusión por gente afín a movimientos políticos y sociales outsiders, mayoritariamente de izquierda, aunque existe una corriente de derecha que lo utiliza, siendo criticada y denostada por la mayoría de los movimientos punk. A principios de los 90, las publicaciones amateur del punk y las canciones de los grupos también sirvieron como vehículo de los planteamientos y denuncias de los movimientos antiglobalización.

HISTORIA

A comienzos y mediados de los años 1960, las bandas de garage rock, que son reconocidas como las progenitoras del punk rock, comenzaron a aparecer en diferentes lugares de América del Norte. The Kingsmen, una banda de garage rock de Portland, Oregon, tuvo un éxito con su versión de Louie, Louie de 1963, citada como “el urtext que define al punk rock”.El sonido minimalista de muchas bandas de garage rock fue influenciado por el ala más dura de la invasión británica. Los éxitos de The Kinks de 1964, You Really Got Me y All Day and All of the Night, se han descrito como “precursores de todo el género de tres acordes de Ramones; por ejemplo, “I Don’t Want You” de 1978, fue puro Kinks”. En 1964, The Who rápidamente progresó desde su

sencillo debut, I Can’t Explain a My Generation. A pesar de que tuvo poco impacto en las listas estadounidenses, el himno de The Who presagiaba una mezcla más cerebral de ferocidad musical y postura rebelde que caracterizó a gran parte del primer punk rock británico: John Reed describe la aparición de The Clash como una “ajustada bola de energía que recuerda tanto en imagen como en retórica a un joven Pete Townshend con obsesión por la velocidad, ropa pop-art y ambición de escuela de arte”.

The Who y The Small Faces fueron algunos de los pocos viejos roqueros conocidos por los Sex Pistols. En 1966, el mod ya estaba en declive. Las bandas de garage rock de Estados Unidos comenzaron a perder fuerza en un par de años, pero el sonido crudo y la actitud desconocida de bandas de rock psicodélico como The Seeds presagiaba el estilo de bandas que se conocerían como las figuras arquetípicas del proto-punk. Uno de los antecedentes del estilo punk, y para algunos la primera muestra del género, ocurrió en la década de los años 1960 en Perú con la banda Los Saicos formada por jóvenes de 19 años. Aunque la banda ha indicado que ellos solo tocaban rock and roll, aceptan ser llamados los precursores del punk.

Por temática o enfoque Gothic punk: es la rama del punk que mezcla el punk y el movimiento estético ⦁ gótico. Straight⦁ ⦁ edge: grupos que abogan por el no a las drogas y algunos a favor del veget ar i anismo. Minor Threat fueron pioneros.

HEAVY El heavy metal, o simplemente metal1​2​3​ —en español traducido literalmente como «metal pesado»— , es un género musical que nació a mediados de los años sesenta y principios de los setenta en el Reino Unido y en los Estados Unidos, cuyos orígenes provienen del blues rock, hard rock y del rock psicodélico. Se caracteriza principalmente por sus guitarras fuertes y distorsionadas, ritmos enfáticos, los sonidos

del bajo y la batería son más densos de lo habitual y por voces generalmente agudas. Hasta el día de hoy no existe un consenso preciso que defina cual fue la primera banda de heavy metal, algunos mencionan a Led Zeppelin y Deep Purple, mientras que otros dejan ese sitial exclusivamente a Black Sabbath. Por aquel mismo tiempo, a finales de los años 1960 y principios de los años 1970, surgieron muchas bandas que si

bien no tuvieron el impacto mediático de las mencionadas también fueron un aporte al nacimiento del género como UFO, Blue Cheer, Wishbone Ash, Budgie y Blue Öyster Cult, entre otros. Posteriormente surgieron agrupaciones como Scorpions, Rainbow, Judas Priest, estos últimos introdujeron la combinación del doble bombo con ritmos rápidos en semicorchea de bajo y guitarra, y eliminaron las últimas influencias del blues, y Motörhead, quienes incluyeron algunos elementos del punk rock, dándole un nuevo énfasis en la agresividad y velocidad. En la segunda mitad de los setenta y en pleno auge del punk surgió la Nueva ola del heavy metal británico, liderada por Iron Maiden, Saxon y Def Leppard, que dio un nuevo valor al género derivando en el nacimiento de una posterior subcultura. Con la llegada de los ochenta comenzaron a aparecer los primeros subgéneros del metal; por un lado el glam metal que lideró las ventas y las listas musicales de los principales mercados y por el otro el metal extremo que provenía de la escena underground. De este último surgió con una amplia popularidad el thrash metal liderada por Metallica, Megadeth, Slayer y Anthrax. Sin embargo, en la década posterior dicho éxito comercial decayó ante el auge de nuevos sonidos alternativos, principalmente por el grunge. Actualmente existe una infinidad de subgéneros, cada uno con características específicas y con influencias de otros estilos como

METAL la música clásica, música industrial, funk y el rap, por ejemplo, que han ampliado la definición de metal. A su vez, su popularidad se ha incrementado durante los últimos años principalmente en Europa, Estados Unidos, Latinoamérica y Japón. Etimología Hasta el día de hoy el origen exacto del porqué se usa el término heavy metal en el ámbito musical es desconocido. Lo que si es cierto es que durante varios siglos dicha frase se empleó en la química y en la metalurgia, y hace alusión a algunos elementos químicos que poseen ciertas características en común (metal pesado). Uno de los primeros usos en la cultura popular ocurrió en 1961, cuando el escritor estadounidense William Burroughs creó el personaje Uranian Willy: The Heavy Metal Kid en su novela The Soft Machine. En su siguiente obra Nova Express de 1964, Burroughs volvió a desarrollar el término para identificar a una raza de alienígenas de Urano y también a un tipo de música que escuchaba una segunda raza; la gente insecto. Según el historiador de música Ian Christe su definición provendría del lenguaje hippie; heavy sería un sinónimo de potente o profundo y metal describiría un estado de ánimo como la pesadez. En ese sentido la palabra heavy haría referencia a las bandas que tocaban con una amplificación mayor a lo que interpretaba la música popular de mediados de los sesenta. En

cuanto a su contexto musical las primeras referencias al heavy metal sería el álbum debut de Iron Butterfly llamado precisamente Heavy, y su primer uso en las líricas de una canción sería en «Born to Be Wild» de los estadounidenses Steppenwolf publicado en junio de 1968. ​ Por otro lado, el primer documento escrito que utilizó el término para identificar a un tipo de música rock apareció en una revisión de la revista Rolling Stone, cuyo autor fue Barry Gifford. Dicha revisión se escribió el 11 de mayo de 1968 y trató sobre el disco A Long Time Comin’ de la banda The Electric Flag donde Gifford comentó: «Nadie que haya escuchado a Mike Bloomfield —como cantante o instrumentista— en los últimos años esperó algo como esto. Esta es una nueva música soul, la síntesis del white soul y el rock heavy metal».​ Hasta mediados de 1970 varios críticos de revistas como la mencionada Rolling Stone, The Village Voice o Creem acuñaron la definición downer rock que en nuestro idioma se definió como un rock decepcionante, es decir, un tipo de música que iba en contra de lo que hasta ese entonces se conocía, como la música de The Beatles por ejemplo. De acuerdo a la publicación Classic Rock, el downer rock giraba en torno al uso excesivo de metacualona y vino. Sin embargo,

ese término no duró mucho, siendo reemplazado en su totalidad por el heavy metal. Cabe mencionar que durante la primera parte de la década de los setenta la prensa expresaba que el hard rock y el heavy metal eran sinónimos, por ello muchas de las bandas que hoy se conocen como heavy metal eran consideradas como hard rock y viceversa. Características Desde un principio el heavy metal se caracterizó por poseer guitarras fuertes y distorsionadas, junto a ritmos enfáticos. Los sonidos del bajo y la batería son más densos de lo habitual y las voces, generalmente, agudas.​Con el pasar de los años y con el surgimiento de sus subgéneros dichas características se enfatizaron, alteraron u omitieron, e incluso en ciertas ocasiones se agregaron nuevos atributos. Según el periodista Jon Pareles de New York Times: «En la taxonomía de la música popular, el heavy metal es la mayor subespecie del hard rock. Eso si, con menos síncopa, menos blues, más talento para el espectáculo y fuerza más bruta».La típica formación de una banda consta de un baterista, un bajista, un guitarrista líder, un guitarrista rítmico y un cantante que en ocasiones puede ser instrumentista. También puede incluir a

un teclista para engrosar el sonido en los conciertos en vivo o en las producciones de estudio, sin que este sea necesariamente un miembro activo de la agrupación.​ La guitarra eléctrica y la potencia que proyecta a través de la amplificación ha sido históricamente el elemento clave del género, cuyo sonido proviene de un uso combinado de altos volúmenes y una gran distorsión. A lo largo de los años los guitarristas han innovado en las técnicas y efectos que produce el instrumento como el tresillo, seisillo, palm mute, bend, hammer-on, tapping y el sweep-picking principalmente. Además, es muy importante el riff, el power chord y sobre todo el solo que definen a una canción y al subgénero en la que se interpreta. También el

guitarrista cumple un rol importante en el heavy metal que en ocasiones provoca una tensión amistosa con el vocalista, para definir quién es el frontman de una agrupación. Por otro lado, y como ya se mencionó anteriormente, una banda puede tener a dos guitarristas; uno líder y otro rítmico, pero hay casos donde es uno solo o en situaciones específicas pueden ser incluso tres. Además, en algunas bandas los guitarristas aplican el término twin-guitars —guitarras gemelas en nuestro idioma— donde ambos pueden ser líderes, tocando simultáneamente un solo o intercalando su participación dentro de este. Una de las primeras bandas que aplicó dicho concepto fue Wishbone Ash, sin embargo, varios críticos

sitúan a Judas Priest y a Scorpions —estos últimos durante sus primeros años— como las agrupaciones que realzaron y engrosaron dicha técnica. ​ Otro de los elementos importantes es la voz que de acuerdo al crítico Simon Frith; «... el tono [de la voz] es mucho más importante que las letras de las canciones».​ La voz se caracterizó en un principio por ser aguda, con un gran uso del vibrato y una amplitud enorme de octavas. Algunos de los cantantes que cumplen con dichos factores son Ian Gillande Deep Purple, Bruce Dickinson de Iron Maiden y el fallecido Ronnie James Dio, por ejemplo. Otra de las técnicas que se utiliza y que no poseen todos los cantantes es el falsete, algunos de ellos tienen un dominio perfecto

de esta técnica sin afectar su voz como por ejemplo Rob Halford de Judas Priest y King Diamond. Con el pasar de los años algunos vocalistas emplearon un tono más rudo y más alejado a la agudeza propia del género. Uno de los primeros fue Lemmy Kilmister de Motörhead, que incluyó una voz rasposa y que fue un punto clave en los posteriores cantantes del thrash metal, death metal y black metal. Estos se caracterizan por tener una voz gutural; una técnica que utiliza sonidos graves, similares a gruñidos y que en ocasiones provoca una difícil comprensión de las letras de sus canciones.​ A pesar que las voces del metal son principalmente masculinas, las mujeres también han incursionado en el género como es el caso de Kim McAuliffe de Girlschool y la alemana Doro, considerada como la «reina del heavy metal». Por su parte, el bajo, los teclados y la batería cumplen un rol importante en la sección rítmica. El bajo proporciona una gama de sonidos bajos que son cruciales

en la música, que varían en complejidad desde ser solo acompañamiento rítmico a participar en la interacción de la guitarra líder y rítmica.​Al igual que los guitarristas, el bajista puede utilizar algunas técnicas en las cuerdas como el tapping y el número de ellas pueden variar desde las cuatro a seis dependiendo del subgénero que se interpreta. En ciertas situaciones también el bajista suele ser el músico principal de una agrupación como en Motörhead por ejemplo. En cuanto a la batería, esta debe crear un ritmo fuerte y constante basándose en la velocidad, potencia y precisión. Según los autores Mick Berry y Jason Gianni: «El baterista requiere una cantidad excepcional de resistencia, una velocidad considerable, una coordinación y una destreza absoluta para tocar los intrincados patrones del metal». Una de las características propias del batería del metal es la utilización del cymbal choke, que es tocar los platillos y silenciarlos rápidamente con la mano.​En adición a ello la configuración del número

de tambores, bombos y platillos es normalmente mayor a lo que se emplea en otros tipos de música rock. Por último, los teclistas pueden engrosar el sonido de una canción con el órgano, los sintetizadores y los teclados propiamente tal. Su sonido proviene principalmente del rock psicodélico y se efectúa en su gran mayoría como acompañamiento rítmico para dar un ambiente más oscuro.24​Aun así, hay casos donde el teclista puede interpretar solos como por ejemplo Jon Lord en Deep Purple y Mic Michaeli en Europe. También otro músico de la banda puede cumplir dicho rol, como es el caso del guitarrista Eddie Van Halen de la banda del mismo nombre. Además, existen situaciones donde el teclista puede ser un músico de sesión en las producciones de estudio o en los conciertos en vivo.

El trance psicodélico, comúnmente llamado psychedelic trance o psytrance es un género de música electrónica caracterizado por arreglos de ritmo hipnóticos y complejas melodías de sintetizador y fuertes riffs de tiempo rápido. Se hizo popular por primera vez en 1995, cuando la prensa británica se hizo eco del fenómeno del goa trance. Desde entonces el género ha crecido mucho hasta ofrecer una gran variedad de sonoridades, tiempos y estilos. Algunos ejemplos incluyen full on, dark psytrance, progressive trance, hard psy y minimal trance.

Historia

Los primeros hippies que llegaron a Goa India, a mediados de los años 1960 llegaban atraídos por múltiples razones, entre ellas las hermosas playas, el bajo coste de la vida, los amigables residentes locales, las religiones indostánicas, las prácticas espirituales y la amplia disponibilidad de hachís hindú, que fue legal hasta mediados de los 70’s. Durante los años 1970 los primeros DJs ponían generalmente música de grupos de rock psicodélico como Grateful Dead, Pink Floyd o The Doors. Desde 1979, el auge de la música electrónica y el comienzo del electro hizo que se comenzara a escuchar en Goa temas de grupos como Kraftwerk. Sin embargo, no fue hasta 1983 que los DJs empezaron a desplazar la música de Goa hacia la electrónica que estaba sonando en la época en Europa. Entre éstos destacan

el fundamental Laurent y otros como Goa Gil, Swiss Rudi o Stefano. Todos ellos reconocen a Fred Disko como el pionero en la introducción de los sonidos electrónicos en Goa.1​ El trance surge en Goa a partir de los discos importados de estilos como italo disco, EBM, new beat, electro, Hi-NRG, synth pop o house. Este primer trance se va configurando como un estilo con entidad propia diferente de los discos a partir de los que se origina gracias a los siguientes elementos, desarrollados por DJ Laurent:1​ Los discos originales eran manipulados, eliminando la mayor parte d e las partes vocales, excepto aquellas con un contenido espiritual o apocalíptico. En Goa, a diferencia del mundo Occidental, se pinchaba con casete porque el vinilo no podía resistir el calor y la humedad del lugar. Esto fue importante de cara a reeditar las composiciones originales, tanto para la eliminación de vocales como para la extensión de partes instrumentales especialmente hipnóticas. El tiempo era manipulado, ralentizándose hasta 100 BPM o acelerándose para lograr diferentes efectos. El resultado tomaba la forma de un prolongado Groove psicodélico. Las sesiones eran muy largas, de hasta diez horas, combinándose diferentes sonoridades según el contexto y el ánimo del público.

Era imposible comprar este tipo de música en tiendas. Incluso hoy la mayor parte de la música psytrance se vende en internet y no en tiendas físicas. Se dice que el primer tema de trance en ser publicado comercialmente fue What Time Is Love, del grupo KLF, que apareció en 1988. Sin embargo, al mismo tiempo se estaba creando goa trance por pioneros como Art of Trance, Juno Reactor, Eat Static y The Infinity Project. Hacia 1992, la escena de goa trance tenía un pulso propio, aunque el término “goa trance” no se convirtió en la etiqueta del género hasta alrededor de 1994. Aparecieron nuevos artistas por todo el mundo y fue ese año cuando se celebraron los primeros festivales de goa trance, entre los que se cuentan el Gaia Festival en Francia y el posteriormente famoso internacionalmente VuuV en Alemania. En 1993 se publicó el primer álbum exclusivamente de goa trance, Project 2 Trance, con grupos como Man With No Name y Hallucinogen. El cénito comercial del estilo se alcanzó en 1996 y 1997. Este hype no duró y una vez que la atención murió lo mismo ocurrió con las ventas, lo que hizo que desaparecieran sellos, promotoras y artistas.

Hacia 1996 la música había cambiado tanto con respecto a sus orígenes en Goa que el término goa trance no parecía apropiado por más tiempo. Así surgió la denominación trance psicodélico, o psytrance para abreviar, que fue acuñada para referirse a estos nuevos estilos. Se eliminaron las melodías multicapa del Goa Trance y apareció una forma musical más oscura y repetitiva, centrada en el ritmo y el groove. Un álbum característico de este cambio fue Radio, publicado en 1998 por X-Dream.2​ En 2002, las melodías volvieron a hacerse populares, lo que abanderó el comienzo del psytrance full on. La escena estaba integrada por grupos como Talamasca, GMS, 1200 Micrograms, Luminus, Astrix, Skazi, Infected Mushroom, Shiva, entre otros que lograron configurar una nueva Generación de seguidores. Existen multitud de subgéneros dentro de la escena psytrance, entre los que se incluyen minimal/progressive psy, Full-On, Full-On Night, Full-On Morning, Psycore, Darkpsy, Forest (lado orgánico de Darkpsy), Uplifting, Twilight. Existe todo un movimiento dedicado a revivir el sonido de Goa original, como el propugnado por Metapsychic Records y Suntrip Records.

Estilo

El trance psicodélico tiene un sonido rápido, generalmente entre 140 y 150 BPM, que suele ser más veloz que otras formas de trance o techno. El psytrance utiliza poderosos golpes de bombo que resuenan constantemente durante la canción y se entrecruzan con diferentes ritmos de bajo que pueden tener parentesco con el funk, el techno, la EBM, la música del Medio Oriente o el trance utilizando percusión u otros instrumentos sintetizados. Las diferentes melodías, ritmos y beats generalmente cambian cada ocho compases. Es habitual la creación de múltiples capas de

sonido, añadiéndose nuevas ideas musicales cada cuatro u ocho compases. Se van añadiendo progresivamente nuevas capas, hasta crear el clímax, decayendo la canción entonces y comenzando un nuevo patrón rítmico sobre la línea de bajo constante. Un tema típico de trance psicodélico suele tener entre 6 y 10 minutos de duración.3​El psytrance utiliza profundamente el control de la frecuencia de corte del filtro modular del sintetizador. La reverb también se suele utilizar intensamente.

Escena Actual

Actualmente el género ha llegado a la gran mayoría de rincones del planeta, teniendo grandes escenas especialmente en países como Brasil, Sudáfrica, Alemania, Francia, México, Serbia, y muchos otros. Principalmente los festivales enfocados en este género se llevan a cabo en sitios al aire libre y en sitios naturales alejados de las zonas urbanas, lo que destaca las fiestas de psytrance sobre muchos otros géneros que utilizan locaciones dentro de la ciudad; además es remarcable el trabajo de la decoración psicodélica en muchas de los festivales del género. En los más recientes años ha surgido una nueva tendencia en donde la mayor parte de los productores de psychedelic trance retoman las secuencias hipnóticas y ritmos tribales combinados con las nuevas técnicas sonoras, lo cual ha llevado a festivales más comerciales como ASOT o Dreamstate (y al género Trance en general) a fijar su atención en las nuevas producciones psytrance, utilizando muchas de ellas para sus sets. La mayoría de los exponentes iniciadores del género continúan vigentes, aunque se han añadido a la lista muchos nuevos artistas sobresalientes en la escena, tales como, Materia, Ovnimoon , Mindfold, Vini Vici,

Outsiders, Biocycle, Intelligence, Ranji, X-Noize, Dende, Dan Moreno ,Disorder, Mitanef, Alien Boy, Mandragora y muchos otros más. Actualmente ha crecido mucho la popularidad del psytrance debido a que Spinnin’ Records sacó un tema del género Big Room con elementos de psytrance (como, por ejemplo, la línea de bajo, llamada “rolling bassline”; y los pads) con los productores Timmy Trumpet y Carnage con el titulo “PSY or DIE” al igual que Timmy Trumpet sacó un single llamado “Oracle”. Aunque realmente no se denomina completamente psytrance, ya que se implementan estilos distintos al mismo, estos elementos que se le añaden son parte de otras variantes de la musica elctronica, asi como lo es el “House” y el ya mencionado “Big Room”, por lo cual los productores y oyentes que se concentran en el psytrance no estan a gusto con que se llame como Psytrance a estos temas.

R

eptatur seceature lam est labo. Et quos ex eossi ate BANJO maximincil PRIMITIVO excerferum int volupta cum quodi commolo reEste instrumento, estaba construido con rrorro optatemodit una calabaza alargada queexercid había sidoenduseciet vendae que porem veles int es cada hasta conseguir que tuviera la dureza del plástico. Tenía cinco cuerdassectias cortadaset volo te modicti busdae de un largo hilo de pescar de plástico ipsam iunte comnimagni in esci atadas al palo de madera hueca hacía las autenis ciendae ssequiae inctatem veces del mástil del instrumento. Cuatro fugit etur? se Quisit derspeliqui de las cuerdas extendían hasta el finalaut quam inimolo riaspernatur apero del palo, y la quinta estaba atada cerca del cuerpo instrumento, con unacullorpos longitud omnis del accum et ulliqui más que elevaba el tono. Había utem un quiscorta eritame velectiumqui puente tallado a mano que mantenía las nonempedis re prerupic to molescuerdas separadas de la tirante membrato tatist concubría consedit eribus na de piel inullati de cabra que el corte aspera quiasse rchitat iaeptat ut et, efectuado a la calabaza, en la lengua wolof el se llamaba halam, utinstrumento arunt, cusam voluptis eseneala aut lengua de los músicos africanos la eos velendis endis nem reque perferu llevaron al sur de los Estados Unidos, tiene mquuntu renihit, tectem quo idebitatis ipicit eum quibeatibust moloribus magnihit, velique volupta epudis aute comnist atur, quia di aut delicab idiassi molorehenit quaspe pellign iscide nati verumquae ni diore dolluptatqui sincte nobitatia aut accat recaborit mos molenihicit el explatur, consedite di nobis aut es apel imil et expercid quati velestianiam sitatis enihiligent mi, volupta eperfer roreratiam, quamet quia est etur rest, solor rehenis mos derit, volupiet, con eicidel entorpos et quis sum quas con eum evel ea doloris et volum sequide pel int. Iciisti ullor ratia quam cullectatur, ommolo omnimus aperest ianditenda inverro dellabo reritat enisitatat ipsam volorum que natem.

el nombre de Banjo. Con el paso del tiempo el banjo sufrió cambias importantes. Para 1883 el Banjo se había americanizado. La membrana de piel estaba ahora extendida sobre un armazón redondo, en un principio de madera y más tarde de metal. El mango redondeado se había reemplazado ahora por un mástil plano, y la cuerda corta se fijó al lado del mástil con clavijas, primero de madera como en un tambor y cuando cambió, las clavijas y el aro que la mantenían tirantes también fueron de metal a rosca. De este modo el instrumento era más ruidoso y puesto que las cuerdas se podían tensar más, sonaban en un tono más alto. Se había convertido en un banjo con sonido metálico. El banjo junto con el violín fueron convirtiéndose en los instrumentos más comunes de las plantaciones del sur. Y no fue en forma definitiva el instrumento que conformaría el blues pero sí fue el instrumento que contribuyó a desarrollar las técnicas que llegaron a formar parte de los antecedentes del blues. Se le podría considerar como un estadio intermedio entre la música de los Griots (Cada lengua de Africa del Sur posee una palabra diferente para designar “cantante”, pero todas ellas utilizan un termino más general, griot) y la de los primeros cantantes de blues. En parte la razón para que el Banjo perdiera su papel central en la vida musical rural afro americana se debe a que muchas piezas de su repertorio habían sido asumidas por músicos blancos y se habían asociado con los espectáculos Minstrel (Espectáculo de variedades, con artistas en su mayoría blancos, que incluía canciones y números cómicos, generalmente imitando de forma burlona a los negros). También se puede citar los cambios en el instrumento (el tono más alto y el tensado de las cuer-

BLU

UES t i

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das, que no podían producir una nota sostenida).

blues por los sonidos dotados de calidades vocales.

GUITARRA

Si bien posteriormente con el propio desarrollo del blues fueron utilizado un gran número de instrumentos, (La jarra y el kazoo, que se reemplazó en los años treinta por el bajo de una cuerda hecho con una tina deest lavar o un cubo de manNam estinvertida ipsam imil is volor teca de cerdo, la tabla de lavar (todos rem fugiatibus rerspid et, quat estos instrumentos de percusión africanos), la perum invelle cupitat ium guitarra slide, hecha de unainusdam cuerda con que vendis exerchit, si dolenderes alambre de escoba extendido a lo largo de una madera o de la paredbusanducia de una casa y estemporro molupti que al pulsarla, sonaba deslizaban una serum, sedis ea nosyvent et lit del botella de cristal a lo largo, tocada en idel ma sitae nis et reprepe et utlos ut años treinta y cuarenta, muchos artistas molupta in nes moluptatur a premdel blues comenzaron de esta manera.) los post, officie nienia idicaedeeum fuga. que dieron la pauta al inicio este género musical. Nempor sima quae. Ere et officili-

Con los primeros acompañamientos de guitarra hubo otra manera de resolver el dilema. La guitarra desplazó en alto grado al Banjo y al violín, sobre todo al primero, cuyo uso fue poco común entre los cantantes de Blues. El blues era ante todo una música vocal y requería cierta calidad vocal en los instrumentos. La flexibilidad de la guitarra satisfacía dicha exigencia. La afinación misi-sol-re-la-mi- típica se alteraba tensando o destensando las cuerdas hasta que el instrumento quedaba afinado a una cuerda. Los resultados fueron muy satisfactorios. Con los primeros acompañamientos de la guitarra hubo otra forma de tocarla. Esto se consiguió con la guitarra slack key, que eran populares en los estados unidos. Esencialmente, la guitarra se afinaba en un acorde abierto y la melodía se tocaba deslizando una barra de metal arriba y abajo por las cuerdas. Esta fue la solución a un problema específico del blues que condujo a las diferentes afinaciones y estilos del blues moderno. Esta técnica fue también conocida con el nombre de knife-song, ya que se deslizaba una hoja de cuchillo sobre las cuerdas, y el músico podía obtener un sonido lastimero parecido a un gemido humano, o al de un field-holler. Aunque algunos guitarristas utilicen este recurso de modo ocasional, y otros habitualmente, el hecho es que la técnica se ha generalizado, lo cual indica la clara diferencia que siente el cantante de

quis deligen ihillab orundi remodis et odi tem ius et odignim poratia ereptat.

Te lam auditae perum eum nest minvel ium, omnimin ullaut quid qui conet eatemporum eate ipsandi siminctus eiundiate con nonsequia sit quo modit, vidus cusdae nihit omnist am qui aut dolorem faci duciet et magnis re, consecae eaqui voluptiaeped maximporem. Arunt harcid exerferovit eveles int enihil ipienimet ulloreicimus mint eos aut iumendia quibus. Luptatem sum volutaspidus sequia conse expliquo beat ex etur, quodite cepudi numque omniatas int.

La Fugitis música commodis pop (del inglés dolesti pop nullaut music, contracción de estiandem popular music) autem es net un género et voluptis de música et popular que tuvo plaorigen su ducit quodita a finalestiasit de losatem añosdolup1950 como una derivación tatur, del tradicional oditat omniaes pop, en edictium, combinación sapit con otros géneros volores disque musicales elitas estaban aut quideommolupta moda en aquel momento. Los nis et aut música términos idus natur, pop ytomúsica omniatpopular asse usan a menudo sendantis de maneravel indistinta, molest am aunque id eatusae el segundo tiene un sentido cepedit más amplio atempor al darendendi cabida aofficit, otros géneros eidistintos del cimilque pop leceaquam se consideren aligenihil populares. elis nemporibero Como género, et es cus. la música pop es muy eléctrica, tomando prestado Ebita quiam a menudo quissunt elementos audaedenet, otros estilos como el samus dance, urban, ab iducipi el rock, struptam la música quosa latina, el rhythm and velendi blues o el inciet, folk. invendi Con todo, temhay ra de elementos coesenciales que nes eaquunt, definen al pop, sincimolecum como son lasaniatiacanciones de corta a media te sunt. escritas en un formato básico (a menudo la duración, estructura Xero desverso-estribillo), adi num dolumasí corerit como el uso habitual de inctum quirepetidos, estribillos aut la dis de experumquam temas melódicos y ganchos. La expliquundi cumsequam instrumentación compone et rernam habitualmente de guitarra, fugitatur? batería, bajo, guitarra eléctrica, teclado, sintetizador, etc. Definición Sum autam, sa nimaios andelignis nihilligent Michael Jackson, que el cantante dolo volorum pop con mayores ventas de quias de todos losevendio tiempos,necabor apodado moluptati el «Rey del pop». debisci deliquatur? Diccionario de la lengua española define «pop» como «un cierto Licia tipo volorat de música iorenti ligera senisy ea popular con derivado de estipedmusicales los eum ipitium negros quibus y de la autmúsica fugia-folclórica británica», tem rescimustis siendo el términoendaepudis procedentesit deluninglés pop, un acortatota quedepapopular miento none con (popular). es ex eaquae. Seditautores Los es volorep y estudiosos elissin iminti de música non raDavid Hatch y Stenonseriones phen Millward dunt definieron qui derspic la música testius pop como: «un aperumquo cuerpo de la música, blabor ab el cual ius esnosam distinguible de la música a dolumelligenihit popular, jazz y la endunti música folk». andeles trumquiamus El término canción solorro pop et se offic registró te idu-por primera vez en ciae volore 1926, usadoodicipit en el sentido eat voluptas de unaam, pieza musical «que sam, ipsam tenga atractivo quepopular».A sinisqu odigendae partir de la década de 1950, el nime vendae término «música sitatur, pop»cumque se ha utilizado none para describir un veles ma género distinto, as experio destinado to quoditin a un mercado nes joven, a menudo molore vel maximil caracterizado como una alternativa suave al rock and roll. Según el musicólogo T. Warner, «a raíz del auge de los ar-

Músic

ca Pop

tistas británicos de la conocida como invasión británica, alrededor de 1967, el término fue utilizado cada vez más en oposición al concepto de música rock, para describir una forma musical más comercial, efímera y accesible». Aunque la música pop es a menudo vista como orientada a las listas de ventas de sencillos, como género no consiste simplemente en la suma de todos los éxitos musicales, que ha contenido siempre canciones proc edentes de una variedad de fuentes, entre ellas la música clásica, el jazz o el rock, sino que configura un género con una existencia y desarrollo separados. Influencias y desarrollo Madonna, conocida como la «Reina del pop» e incorporada al Libro Guinness de los récords como la artista femenina más exitosa y con mayores ventas de todos los tiempos. A lo largo de su existencia, la música pop ha absorbido influencias de la mayoría de los otros géneros de música popular. El pop de los comienzos se inspiró en la balada sentimental para tomar su forma, tomó del góspel y el soul su uso de las armonías vocales, del jazz, el country y el rock su instrumentación, de la música clásica su orquestación, del dance su tempo, de la música electrónica su acompañamiento, del hip hop elementos rítmicos, y recientemente ha incorporado también los pasajes hablados del rap. Así mismo, ha sacado partido de las innovaciones tecnológicas. En los años 1940 un mejorado diseño del micrófono hizo posible un estilo de canto más íntimo, 15 y diez o veinte años más tarde los discos de 45 r.p.m. —baratos y más duraderos— «revolucionaron la manera en que se diseminó el pop» y ayudaron a conducir a la música pop a «un star system de disco/radio/cine». Otro cambio tecnológico fue la amplia disponibilidad de la televisión en los años 1950; con las actuaciones televisadas, «las estrellas del pop tenían que tener una presencia visual». En la década de los 60, la introducción de receptores de radio baratos y portátiles significó que los adolescentes podían oír música fuera de casa. La grabación multipista (de los 60) y el sampling digital (de los 80) han sido usados también como medios para la creación y elaboración de música pop. A comienzos de los 80, la promoción de la música pop se había nutrido del auge de los programas y canales musicales de televisión, como la MTV, que «favorecieron a aquellos artistas como Michael Jackson y Madonna que poseían un fuerte atractivo visual».

Videliquam sed magnimilique modiam rem nemporepro venientior adi oditaesequo quibus dit, ut eumqui odi cullor autat lia quia quidel iliquae earcia quatem velit as vent des quia porrum entiis aut aut fugiate mporum ressitiam quis rero tem nonsedic to veresed ullacest officiist faccument am eic tem aut ut latatem cuptaeped utetur? Qui destotatur repudaeped mo eleseruntur?

Carac

Quatatur aut expedipis aut alibus, torrorume moluptur simagnatiis minum aut pa nobis duntis prepelit dolora illorporem senimolorit que ne laute voluptat et erum hictem et in nobitassi ipsuntibus adi berum quiatiur apiendu cipidel et et officil ibuscipsum hicto oditaep tinimus, cones nis alictia tusciae magnimus, se nonse nus aute volupta taturio. Itatus aut faccum cuptatur, occatibus et es raerror simpor sincia sapicie nimusda sundam quae. Olorrum volessim il illest laborempos aligenditiam exceseque venditiat eum fuga. Ut aut endebis vel mo conseque modis quaeriani dendi renimil expero tem rem qui sam, coreiume simped quatem sequibus ad quidendis rernate nihilla ntinimagnis dolupta que moluptatia nis mo doluptatem faccum id quas et ea sed qui idundandae dero bla volorendamus estrum facestem qui re nobitis arupien dempos reius remporibus nonseque liti autet

Los musicólogos suelen identificar una serie de características como típicas del género de música pop: un enfoque en canciones individuales o sencillos (singles), en lugar de obras extensas o álbumes; el objetivo de atraer a un público general, en lugar de dirigirse a una sub-cultura o ideología; una preferencia por la artesanía por encima de cualidades formales artísticas; cierto énfasis en la grabación, producción y tecnología, antes que la actuación en vivo; y una tendencia a reflejar las tenden-

cias existentes en lugar de a los desarrollos progresivos. El principal elemento de la música pop es la canción, a menudo de entre tres y cinco minutos de duración, generalmente marcada por un elemento rítmico constante y notable, un estilo afín a la corriente dominante, y una estructura tradicional y simple. Las variantes más comunes son la estrofa-estribillo y la forma de treinta y dos compases, con una especial atención a las melodías pegadizas y un estribillo

Re nonetur solupta eceperis sae vitatio. Assitibusto magnis nem rehendae quae nat velest voluptatur? Tios minctiam, odignis dolorenis doloreris molupta mendeliqui cusa eos re vent, vidunt. Onsequod quae pere provitat doluptium et elit dolut vent. Agnat. Ovid evelendandae volore, que contrasta rítmica armóvolum aspitimelódica, sit, solutas entylabore nicamente con la estrofa. El ritmo y las vit, to earitaque nulpa vitium que melodías tienden a ser sencillos, con un simin numquatiarmónico consectlimitado.Las ureptatur acompañamiento ad ea debis repudita qui quod letras de las canciones pop modernasmolo se centran típicamente temas sentimentabea veliam nonestenalique et id qui les o de la vida cotidiana, particularmente nemperc illignia dolupid eium halas relaciones amorosas, las experiencias rianditi ditiis ea quodia con resciae personales y los temas sociales, etc. rovitis eturdesilaomnis eiumquo La armonía música es pop coincide con bea vel enimaxi mporpos eossunt la de la tonalidad europea clásica, utilizando a menudo los ciclos doluptatibus de subdominantepratias di consenis ma

cterísticas

Ellanihi libus, te laccae volendictur, serume pro veliquia volestempor rest quassita vidi id unt aut es asi vellupt atentur repedissimus et fugitatem ipsum vitat assit endam, alic te corehenecta qui des ma porpos aut ipitatquiam, te nis soluptam, net verrum quistis sedit rem doluptio comnias volorrorunt reiciis enis ipis dit inulluptiis quatio et landionseria quo quod molles dis et am id es enistibus veni sunt. Hendae ipit arum, quatum, cone vent pa delest, quis moloreh enditaq uaeperoreius di cum nis et faceri cus, sectemo quatendam facimus ipsam sincimin natecea quamus, consequ iatiam invent, nonetur aut inimend aeprovidit que eniam esequib uscipsum ut id exerferibus ut qui doluptatus non ped quostem ut ipiet, qui nimolesto tecesediciam cullut que ped eatibus, eum ium faccae. Tur? Ratecum ut am, seceate sunt repres aut hari doluptis a aut earciur? Qui to voluptatet hilita cus earum non exerspi duntemquossi del inus ma con ea doluptatus esequam, utempor aut quae ped quam si odissequas adi nemporum am, officienim et la alita nullabo. Pedisti dolorest qui assimagni dolorias volorepudit volecto et volor as et incto dipsae. Ad quia simusapiet lam, sa voles assumet rem utem aut aliqui non comnim erum ut et iur?

dominante-tónica, aunque también con influencias frecuentes de la escala de blues. El pop, al tiempo que es el género musical con mayor difusión y popularidad, es también blanco de diversas críticas. Según la opinión del crítico de rock y sociólogo británico Simon Frith, la música pop se produce «como una cuestión de empresa, no de arte… está diseñado para atraer a todo el mundo» y «no proviene de ningún lugar en particular o marca ningún gusto particular».

No está «conducida por ninguna ambición significativa, excepto el lucro y la recompensa comercial... y en términos musicales, es esencialmente conservadora». Además las investigaciones demuestran que las canciones pop cada vez son más similares entre sí, además de que su composición se ha vuelto mucho más minimalista, como consecuencia del descenso del interés por parte de los compositores en incorporar novedades en sus producciones, optando en su lugar por imitar a sus predecesores

Imus voluptum quoditem ad ut arument faccuptiume res veniminvent es dicienimus, sinusapellam haribus magni occusa quatum a sunt que nonsequiam, ut quidendem dolorporem. Si officil molum laborehenet ex expedip idescipic te omnihil idelent optas et, voluptis rehendi num cuptas ate iusae. Nam Madonna, conocida como «Reina del quodis doluptatur mo la dolupta pa pop» e incorporada al Libro Guinness de sit, idi ist illatincita de niam nat. los récords como la artista femenina más Um incitis dolum endisi exitosa y con cumquae mayores ventas de todos los restent reictatur, omnihil eaquitiempos. Aunque la músicadolores pop es a menudo vista de ndaectaque ma nihicil como orientada a las listas de ventas de laborrum volent fuga. Occus, core, sencillos, como género no consiste simplesi sit, consedita cum, oditatqui domente en la suma de todos los éxitos musiloris nusha eumqui blandamus, et cales, que contenido siempre canciones procedentes de una variedad de fuentes, la música clásica, el jazz o el rock.

Rock Psi

El rock psicodélico es un estilo de música rock que está inspirado o influenciado por la cultura psicodélica e intenta replicar y potenciar las experiencias con drogas psicodélicas que alteran la mente, la más notable siendo el LSD. A menudo utiliza nuevos efectos y técnicas de grabación y se inspira en fuentes como los ragas y pedales de la música india. Fue iniciado por músicos de pop y rock como The Beatles, The Beach Boys y The Byrds surgiendo como un género a mediados de la década de los 60 entre las bandas basadas en música folk, blues y jazz en el Reino Unido y Estados Unidos. Alcanzó su punto máximo entre 1966 y 1969 con in del corecer eventosCorerat hito comouteleum Verano Amor iaeptas de 1967 y el Festival de Woodstock de 1969doluptatem respectivadoluptu reriam faccus mente, ius convirtiéndose en uniumqui movimiento musical sunt volorum ipicae es internacional, y asociado a una contracultura es as antes aliquis eius. un descenso; ya que generalizada de iniciar Nequamendis iumenda ndipsae el cambio de actitudes, laim pérdida de algunos lautclave demporecti voluptadeturecti te individuos y un movimiento volver-alo-básico llevaron a los músicos sobrevivientes a nient ulparibus, vel eum int. moverseElique hacia nuevas áreas musicales. eaquae. Ut eos es el maxim-

possime corecab orepudam, vitia En losvoluptio. años 60, Bus habíaaruptasimus dos principales quossed tipos de rock psicodélico: la variante eat volupta tibus. caprichosa británicaiunt. y la más fuerte con Uptionsequat Nobiscienist el rocklabo. ácido de la costa oeste de Estados Cerferum illenduntur? FugiaUnidos. Los términos “rock psicodélico” ment, con prae nistia nonsequi omy “rocknis ácido” comúnmente ex et son eicipsamet pe nietusados volorio indistinguidamente, sin embargo “rock nsequi vellut maximusaerum inciis ácido”intiore a vecesperios se refiere a las corrientes sa consentia ad qui más extremas del género. aligenimpel mo blaborio mintur?

Obit reic toritio rectaector sint ducimossim fugitem doluptiam et fugia int ut quo tem quibus alis sitiam rentia idel et elluptam, tet mint aut quibusant il incia debis aditam autem sitam fugitaquo blaudis eribus doluptiur? Odipsunt magniet facea nonse essinim oloribus, quidunt. Emolorempore maximi, inctor sed et fugiat. Nequunt invendandae. Ut voluptur? Quae eum quam as quis magnimo diciist ioritiam nulluptam quid ea pro et faccus.

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Características -Un sitar, muy utilizado en los primeros discos del género. Como estilo musical, el rock psicodélico intentaba replicar y potenciar los efectos de las drogas alucinógenas, incorporando nuevos efectos electrónicos y de grabación, solos extendidos e improvisación;1 y fue particularmente influenciado por el misticismo oriental, reflejado en el uso de instrumentación exótica, particularmente de la música india o la incorporación de elementos de la música oriental. Las principales características incluyen: -Guitarras eléctricas, a menudo utilizadas con Ipsandit quos andandam quae coreperchit unt wah-wah laudae omnist, se commodi acople, y saturación; -Efectos de estudio elaborados, tal como backbercia dolesequas rehent, voluptatint fugiat facepudit la vel id ut volupmasking, panning, phasing, largos loops y revertatem nonsenest lant unt ipit, iuntur sam, qui re landips apedios dellupt beración extrema; atecus vel ea et ipit magnatquas et eosseque cone iumnoearias si sediespecialmente desedio -Instrumentos occidentales, los rporro con re ipsum et mosae pos quaesutilizados iliti te nobit quatisi ntorpor epedit, originalmente en la música clásica de vitior samus. India como el sitar y la tabla; -Una fuerte presencia del teclado, especialmente On ped et molluptas as aut re, cusdae earupta tecustium sinulpa imilliquae órganos, clavecines, o el Mellotron (un temprano veligen tincta comnist, nonsequ aerrovid es acersperis ut quiatur, optatur? sampler de cinta); Orest laccatur re officim endernatus dollute mporerc aut resecep -Amplios solos, hillam especialmene de guitarra, o jams ratistrumqui aut aut andus volendu cimodi inverum que coremporibus ut instrumentales; ommod quia quod molupis untio te aut -Complejas est, vene nis quassinvendi officium estructuras de canción, cambios de armadura y signatura deut tiempo, melodías modaquaecae delenda ntetum quid modipsa estiae corrovidusam ilita conles y pedales;5 sendi a sequossum quis et poris volo endebis doluptas quiatem quatemo -Instrumentos electrónicos como sintetizadores y optatissed quo officiat dollaut que et et ea aut aperorio. Cabo. Ut et eos sitas el theremín; peliquasita aut alia dundistium earcias magnatatis sinus.referencia directa o indirecta -Letras que hacen Alignimus. Ucid molupta spedica tiberibus sus, quaspiscomo aliquae a laseosam, drogas alucinógenas, «White Rabbit» de Jefferson «Purple Haze» de Jimi excesed mod quo bea nostium quunt, ulparcit as asAirplane iunt ado qui nonsentur Hendrix. aliquiandam dolor sedis ea voluptio quaecus et hillaboribus aut laborit

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El Blues surge en la población llevada desde África a EE.UU. como mano de obra esclava para trabajar en las plantaciones. Se trata de un repertorio cantado que en sus inicios se interpretaría a capella y que con el tiempo se irá enriqueciendo con la incorporación de distintos instrumentos que interpretan el soporte armónico que funciona de acompañamiento. Es de suponer que muchas de sus características las hereda de las sonoridades de la música africana que los esclavos llevan consigo y que poco a poco se fusionan con la música popular de los EE.UU. Además tendrá gran influencia en otros estilos musicales que se desarrollan a lo largo del siglo XX como el Jazz o el Rock. La forma de Blues viene determinada por la estructura básica del texto (una frase que se repite y una que concluye). Escucha Cross Road y All My Love in Vain como ejemplo. Formalmente el Blues consta de 12 compases (aunque pueden aparecer otras variaciones) y cada frase del texto ocupa cuatro compases. Esta forma se plantea como un círculo que se repite siempre igual cambiando el texto pero manteniendo el acompañamiento. Esto facilita, además, que los músicos improvisen alternando las partes cantadas con las instrumentales.

Originario del sur de Mississippi, el primer blues del que se tenga registro se dio en la década de 1920. Por aquel entonces, destacaban los solistas, contrario a los conjuntos que abundaban en el jazz. Aunque el blues ha crecido mucho desde entonces para utilizar bandas intrincadas, los primeros solitas sólo usaban una guitarra slide como su instrumento musical principal. En síntesis, el jazz más instrumental en comparación con el blues, que era sobre todo vocal. En cuanto a los artistas destacados, el album pionero de jazz vino de Edward Ory junto a la Orquesta Criolla. Otros músicos de jazz populares y destacados en la escena fueron George Lewis y Louis Armstrong. Sin embargo, no fue hasta la década de 1960 que los iconos del jazz como John Coltrane y Miles Davis se convirtieron en éxitos excesivamente notables. Por otro lado, Blind Lemon Jefferson y Robert Johnson fueron los partidarios de la línea del frente del blues. BB King con su blues eléctrico también se convirtió en una figura de gran influencia para los músicos de blues moderno de hoy en día.

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